Unabhängig davon, ob man mit der Disney-Version von 1940 vertraut ist oder nicht: Langeweile dürfte bei Guillermo del Toros Neuinterpretation von „Pinocchio“ bei den wenigsten aufkommen. Der im faschistischen Italien vor dem zweiten Weltkrieg situierte Stop-Motion-Film über Konformismus, toxische Männlichkeit und Tod ist spannend, berührend, zum Teil auch verstörend. Wie schon Disney, lehnt sich auch Del Toro nur lose an die 1883 veröffentlichte Romanvorlage des italienischen Autors Carlo Collodis an – und richtet sich dabei primär an ein Erwachsenenpublikum. Seit „Pans Labyrinth“ (2006) trug kein Film von Del Toro derart eindeutig dessen Handschrift.
Sur fond de magnifiques paysages dans un format recréant celui des photographies de l’époque, on s’immerge dans cette errance d’un jeune prêtre danois à qui l’Islande fait perdre tous ses repères. Choc des cultures, colonialisme, religion… l’arrière-fond social reste très présent, mais de façon subtile, à travers des personnages typés et attachants.Ob „The Banshees of Inisherin“ von toxischer Männlichkeit, der Absurdität des Lebens oder doch etwas ganz anderem handelt, bleibt der Interpretation der Zuschauer*innen überlassen. Für beste Unterhaltung dürfte die schwarze Komödie in jedem Fall sorgen.
Gestern waren sie noch Kumpels, heute will Colm (l.) nichts mehr mit Pádraic zu tun haben (© Searchlight Pictures)
Irland, 1923: Während auf dem Festland der Bürgerkrieg tobt, ist der Alltag auf der kleinen Insel Inisherin von Monotonie geprägt. Jeden Morgen treibt Landwirt Pádraic (Colin Farrell) seine Milchkühe auf die Weide und jeden Nachmittag trifft er sich mit dem etwas älteren Colm (Brendan Gleeson) auf ein paar Biere. mehr lesen / lire plus
Die für Filme wie „Fish Tank“ und „American Honey“ bekannte britische Filmemacherin Andrea Arnold rückt in ihrem neusten Werk, „Cow“, nicht einem Menschen, sondern einem Tier auf die Pelle. Mit der für ihre Filme charakteristischen wackeligen Handkamera haben sie und ihre Crew jahrelang eine auf einer britischen Farm lebende Milchkuh begleitet. Obwohl der Film völlig ohne Kommentar oder Dialog auskommt – Arnold lässt die Bilder für sich sprechen – kommt in den 90 Minuten Laufzeit keine Langeweile auf. Weit davon entfernt, ein Plädoyer gegen die Milchindustrie zu sein, zeigt „Cow“ nüchtern, was die industrialisierte Lebensmittelproduktion für Nutztiere bedeutet – auch abseits von Massentierhaltung. 
Malgré un scénario sans véritables accrocs, Elizabeth Banks et Sigourney Weaver portent avec conviction ce récit de solidarité féminine face à l’indifférence, voire l’hostilité d’une société patriarcale face à l’interruption volontaire de grossesse dans les États-Unis des années 1960. Une lutte qui a porté ses fruits et abouti à la légalisation au niveau fédéral. Dans le contexte américain actuel, la piqûre de rappel est bienvenue.
Un scénario autobiographique à fleur de peau qu’on sent capital pour la réalisatrice, même si elle se concentre sur une histoire d’amour déjà vue à l’écran plutôt que de proposer un récit choral qui célébrerait la passion dévorante du théâtre. Restent cependant quelques belles scènes : le conflit entre insouciance de la jeunesse et épée de Damoclès du sida y crée un entre-deux d’émotions qui fait mouche.
La réalisation use un peu trop souvent de mouvements de caméra ostentatoires et de musique envahissante. Demeure cependant le plaisir simple d’une histoire de vengeance dans les années 1930, scénarisée par Pierre Lemaitre lui-même d’après le second volet de sa trilogie des « Enfants du désastre ». Si Émilie Dequenne, qui était Madeleine dans « Au revoir là-haut », cède sa place à Léa Drucker pour le rôle, on ne perd pas au change : le film offre enfin, par rapport au précédent, un véritable personnage féminin fouillé.
Un certain étirement en longueur et un scénario d’arnaque à rebondissements dont la plupart des éléments ont déjà été vus ailleurs peuvent être, c’est vrai, reprochés au film. Il s’en dégage cependant un dynamisme réel, qui pose Nice et ses environs comme un milieu de toutes les impostures, tandis que les personnages cherchent leur place dans un monde où pas même la richesse et la célébrité ne protègent du mal de vivre.
In R.M.N. rückt „4 Months, 3 Weeks, and 2 Days“-Regisseur Cristian Mungiu die Bewohner*innen eines transsylvanischen Dorfes in den Fokus, um die Verbindung zwischen Prekarität und Fremdenfeindlichkeit zu thematisieren. Der interessante Stoff leidet unter einem mittelmäßigen Drehbuch, das den anfangs noch komplexen Protagonisten im Laufe des Films zur karikaturhaften Nebenfigur verkommen lässt.
