Im Kino: All the Beauty and the Bloodshed
Mit „All the Beauty and the Bloodshed“ bringt die Dokumentarfilmerin Laura Poitras ein intimes Porträt der US-amerikanischen Künstlerin und Aktivistin Nan Goldin auf die große Leinwand. Sie greift dabei so vielfältige Themen auf, wie Queerness und die amerikanische Opioid-Krise.
Nan Goldin bei einer Protestaktion. (Foto: Neon)
Nan Goldin als Rebellin zu bezeichnen, wäre eine Untertreibung; ihr politisches Engagement erst auf die 2010er-Jahre zu datieren, irreführend. Tatsächlich war Goldins Schaffen nie etwas anderes als subversiv. Dass sie sich dabei von Beginn an auf ihr privates Umfeld bezog, bildet keinen Widerspruch dazu. In den 1970er-Jahren wurde Goldin Teil der queeren Szene in New York. mehr lesen / lire plus
Si l’on accepte les libertés prises avec la biographie d’Emily Brontë et les quelques longueurs, on pourra être séduit par la véritable esthétique proposée par Frances O’Connor – au service d’une histoire romancée certes, mais à la façon de l’écrivaine justement, servie de plus par une belle photographie du Yorkshire. Actrice elle-même, la cinéaste offre aussi un large espace de jeu à une Emma Mackey joliment exaltée.
Toujours avec une attention aux détails réjouissante, Makoto Shinkai propose un nouveau conte magique où s’invitent la catastrophe de Fukushima et plus généralement les relations entre êtres humains et environnement. Entre historiette d’amour et fantastique, le film avance avec habileté sur la corde. On regrettera cependant une première partie linéaire et systématique : le cinéaste d’animation ne convaincra complètement ici que ses enthousiastes.
La justice réparatrice, comme le dit un personnage à la fin, c’est tout ce que les pouvoirs de l’argent détestent : on ne peut prévoir ni le temps qu’elle prendra, ni le nombre de personnes qu’il faudra impliquer, ni même si elle sera efficace. C’est pourquoi ce film basé sur la parole est important, malgré une simplification du processus (combien d’échecs pour un succès ?) qui force sur l’émotion.
Auch wenn es auf den ersten Blick so wirken mag: Der Stop-Motion-Film von Alain Ughetto ist kein Kinderfilm. Vielmehr greift der französiche Künstler auf selbstgebastelte Puppen und Landschaften zurück, um die Migrationsgeschichte seiner Familie von Italien nach Frankreich möglichst visuell ansprechend in Szene zu setzen. Das Konzept geht auf: „Interdit aux chiens et aux italiens“ sorgt nicht nur für beste Unterhaltung, sondern versetzt uns auch erfolgreich in die Haut der Figuren.
Während Francisco Francos Diktatur, aber auch noch in den Folgejahren, wurden in Spanien bis zu 30.000 Kleinkinder ihren Eltern gestohlen und mit gefälschten Papieren an Paare aus aller Welt weiterverkauft. Es ist einer der bedeutendsten Fälle von Kinderraub; Anhänger*innen der katholischen Kirche gelten als Drahtzieher*innen. Margot Litten, Redakteurin, besuchte für ihre Doku „Kinderraub“ Betroffene und die wenigen noch lebenden Verdächtigen, beziehungsweise deren Kontaktpersonen. Schockierend ist dabei vor allem die Ignoranz mit der die Autoritäten den Betroffenen bis heute begegnen. Ein interessanter Beitrag für alle, die über diese Verbrechen noch nicht im Bilde waren, auch wenn die Doku von der Ästhetik her etwas einfallslos wirkt. 
Très démonstratif, le film manque du rythme nécessaire à créer le suspense alors qu’il évoque une affaire d’État pourtant taillée pour le thriller. Celles et ceux qui admirent Isabelle Huppert bénéficieront au moins de sa présence bien particulière à l’écran ; les autres, pour leur dose de guerres intestines dans le nucléaire français, préféreront le livre dont est tiré le scénario.
Colm Bairéads Erstlingswerk handelt von einem Mädchen namens Cáit, das bei Pflegeeltern zum ersten Mal in ihrem Leben Liebe und Zuneigung erfährt. Auf der Kurzgeschichte „Foster“ von Claire Keegan basierend, zeigt uns der Film Cáits Perspektive in meditativen und schönen, zum Teil aber auch repetitiven, kitschigen Bildern. Trotz toller Schauspieler*innen und einer größtenteils ansprechenden Inszenierung weiß Bairéads sein Werk nicht über den Status eines zu lang geratenen Kurzfilms zu erheben.
Plutôt que de proposer un huis clos sur la dynamique des relations entre finalistes du concours Reine Élisabeth, enfermés dans la « chapelle », le film préfère se concentrer sur le passé traumatique de sa protagoniste. Pour les cinéphiles, la barque est certes chargée… mais si l’on est mélomane, l’alchimie entre le post-romantisme de Rachmaninov et les retours en arrière du climax fonctionne plutôt bien.
Étrange quête étirée dans le temps où se mêlent attirance et répulsion pour un pays et une famille biologique, le film joue de silences, d’incompréhensions et de sentiments refoulés pour sonder les interrogations d’une enfant adoptée. Sur le visage de Park Ji-min, souvent en gros plan, se déploie en permanence la bouleversante valse-hésitation d’une personne entre deux cultures, mais aussi d’une jeune femme qui cherche sa place dans un monde intimidant.
