Après l’intéressant « 
On avait quitté les Charlie’s Angels au cinéma alors qu’elles étaient incarnées, et plutôt bien, par Drew Barrymore, Cameron Diaz et Lucy Liu. Pour celles et ceux qui ont grandi avec la série (parce que sérieusement, comment motiver la jeune génération avec un énième film d’action tiré d’épisodes désormais désuets ?), l’occasion est donc trop belle de voir un nouveau trio reprendre le flambeau, qui plus est dans une version revendiquée comme encore plus féministe. Et bon, il faut bien le dire, les trois nouvelles recrues font pâle figure dans un scénario qui ne s’embarrasse pas de subtilité. Tout de même plus convaincante et moins monolithique que ses comparses Ella Balinska et Naomi Scott, Kristen Stewart tire quand même son épingle du jeu, ainsi qu’Elizabeth Banks, d’ailleurs aux manettes du film, en Bosley ambivalente. mehr lesen / lire plus
Im Kino: Judy
„Judy“, der das letzte Lebensjahr Judy Garlands nachzeichnet, ist sicherlich kein perfekter Film: Oft ist er fetischisierend, ohne jedoch über das hinauszugehen, was ohnehin schon über die 1969 an einer Überdosis Schlaftabletten gestorbene Entertainerin bekannt ist. Unbestreitbares Highlight des Films ist Renée Zellwegers beeindruckende Verkörperung der US-amerikanischen Ikone.
Bewertung der woxx: XX
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La liste interminable des personnes chargées des effets spéciaux en témoigne : ce « Cats »-là, c’est celui du numérique, du clip, de l’esbroufe, même avec la caution du compositeur Andrew Lloyd Webber en coproducteur. Si encore le réalisateur n’avait pas fait appel à une distribution bankable, mais à de véritables chanteurs et chanteuses…
Marre des blockbusters de fin d’année ou du sérieux de certains films d’art et essai pourtant réussis, mais à l’atmosphère pesante ? « Notre dame » est le juste remède pour une séance amusante et festive, sans pourtant verser dans l’humour facile ou lourd. Valérie Donzelli, devant et derrière la caméra, réussit un petit bijou de légèreté constamment sur le fil de la dérision, qui ne se prend pas au sérieux une seconde et avec une distribution qui s’amuse autant qu’on a plaisir à la voir. Beaucoup de charme et de poésie pour cette comédie certes sans prétention, mais qui ne s’oublie pas sitôt la salle quittée. 
Même si le film tend à s’étirer vers la fin, il n’en reste pas moins un thriller psychologique prenant. L’ambiance est bien posée, le duo de protagonistes est physiquement incarné : cette plongée dans les tréfonds de la psychologie humaine est une brûlure dérangeante – que les âmes sensibles éviteront cependant.
Avec sa situation de départ invraisemblable, le film part en roue libre et pourrait presque se résumer à un cabotinage parfois amusant, mais le plus souvent agaçant des deux complices. Patrick Bruel et Fabrice Luchini semblent beaucoup s’amuser dans leur jeu des contraires qui s’assemblent, et tant mieux pour eux, après tout. Mais on a connu les réalisateurs plus inspirés dans cet humour qui se veut plus profond que les apparences. Par moments, lorsque enfin d’autres personnages arrivent à entrer dans le cadre que les deux protagonistes, on a certes droit à quelques émotions passagères. Pas suffisant pour les cinéphiles qui ont une certaine exigence, mais probablement assez pour les fans des deux acteurs, à qui le film sera donc de préférence réservé. 
Celles et ceux qui n’aiment pas les films de Noël guimauve ni les tubes de George Michael, même dans un Londres de pacotille cousu de solidarité, feraient mieux de faire l’impasse. Mais voilà : si on est encore un peu fleur bleue, le mélange prend grâce à de belles compositions d’Emilia Clarke et Emma Thompson notamment.
Du souffle, de la couleur et des sentiments portés par la petite et la grande histoire dans ce film librement adapté d’un roman de Jack London et transposé dans la Naples d’avant-guerre. Les acteurs et actrices excellent, même si le film, dans son ambition de convoquer tout le cinéma italien, en fait parfois un peu trop.
Troublée par l’arrivée inopinée d’un molosse, la famille dysfonctionnelle décortiquée par Yvan Attal offre de beaux moments de rire, mais aussi d’émotion. Une adaptation du roman de John Fante version basque, mais toujours avec le vitriol et l’humeur grincheuse qui font mouche.
Pour une franchise qu’on croyait perdue avec un dernier opus catastrophique, cette reprise en main (pour laquelle le réalisateur original James Cameron a collaboré au scénario) est plutôt une bonne surprise : elle offre notamment des rôles de femmes intéressants. Mais comme toujours, mieux vaut ne pas être allergique à la tôle froissée sur grand écran.
Basé sur le roman pour la jeunesse du grand Dino Buzzati, ce long métrage d’animation peut se targuer de dessins somptueux plus artistiques que réalistes, et tranche avec les superproductions animées qu’on peut voir par ailleurs. Un sympathique conte moral que toutes et tous pourront apprécier pendant les vacances.
Malgré un scénario prévisible qui ne bénéficie plus de l’effet de surprise du premier volet, l’invention visuelle et le cachet de l’animation en mettent toujours plein les yeux. Les références aux grands classiques de la science-fiction au cinéma pleuvent, la musique les souligne habilement, et on passe un agréable moment.
Attention : ce film risque fort d’attrister et de mettre en colère, devant la précarité de la prise en charge de l’autisme en France, tant pour les personnes affectées que pour celles qui les aident. Est-ce suffisant pour pardonner la naïveté pleine de bons sentiments du scénario ou les personnages caricaturaux ? Pourquoi pas, après tout.
Peut-être un peu simple et linéaire, le film reste tout de même une plongée sans doigt accusateur dans les coulisses d’une politique faite de communication plutôt que d’idées et d’action. Sa vision plutôt empathique, grâce notamment à une belle distribution, tranche avec les discours habituels, et tant mieux.
Dans la première partie du film, Prix du jury ex æquo à Cannes, l’étrange disparition des cartes d’un village perdu installe un certain mystère et promet beaucoup. Puis arrive malheureusement à l’écran un étalage complaisant de violence façon série B qui porte un message simpliste, sans réelle distance cinématographique.
Les critiques semblent presque unanimes sur ce film où le voyage spatial est en fait prétexte à la reconquête de ses émotions par un astronaute aguerri. Mais James Gray semble filmer pour la postérité en permanence, avec les grands classiques du genre en ligne de mire. Les images sont cependant de toute beauté.
